Symphony in One Movement op. 29

「私の交響曲第1楽章」は、1969年4月にボストンで着手され、1970年2月にコネチカット州ニューヘイブンで完成した。ニュー・フィルハーモニア管弦楽団が大阪万博に参加するために委嘱された。この作品の着想、あるいは最初のアイデアは、ひとつのイメージだった：低い領域への下降と、おそらくそれに対応する上昇。つまり、オーケストラの各楽器が、使用可能な最高音域から最低音域へと、そしてサイレンスKへと移動していくのだ。私の交響曲には主題があり、ヴィオラ独奏のための旋律がある。そこからさまざまなセクションが派生し、それぞれ2部、3部、4部構成になっている。個々のパートのヘテロフォニックな処理と楽器の色彩のポリフォニーを伴う精巧なオーケストレーションが、これらのテクスチュアを変容させる。次のセクションは一種の展開部で、対照的なテンポの様々な楽器群のためのレチタティーヴが特徴的である。次のセクションは、対照的なテンポの様々な楽器群のためのリチタティーヴによって特徴づけられる一種の展開部である。最高点に達し、けたたましいホルンと鐘の音によって示される。次に、先に述べたように、高音から低音へとゆっくりとした足取りで下降していく。テンポは一定だが、下降の各段階は前の段階より時間が短い。つまり、静寂への加速であり、前の段階のインパクトと存在感が残る限り維持される。下降の終わりに到達した正確な点（同じ和音）から始まり、上昇の動きが特徴的である。この作品には対称的な上昇部はないが、3つのセクションの動きはそれぞれ上向きで、第3部は第1部の一種の反転である。リズムの転調により、音楽は冒頭のテンポに戻され、最後の展開部とコーダに至る。リズムの転調によって、音楽は冒頭のテンポに戻され、最後の展開とコーダに入る。原型的なイメージに抱く感情は別として（そして、それをかなり意識的に使っていることから、その意義は疑わしい）、このこだわりは、対極の概念に対するより一般的な懸念の一部である。それぞれの発明は対極にあるものを暗示し、ある作曲家やある時代によって達成されたそれぞれの様式は、次の様式の明白な矛盾につながる。私の音楽的なアイデアは、純粋に技術的な面、つまりテンポと持続時間、音量と柔らかさ、12音列の構造、あるいは曲の一般的なアイデア、厳格と自由という概念など、肯定と暗黙の否定という形で浮かんでくる。音楽的なアイデアを扱う厳密な方法と自由な方法は、お互いを補い合うものであり、どのような作曲にも何らかの形で両方が存在する可能性があるからだ。物理的な対立と精神的な対立の両方を認識することは、音楽形式の真の主題と意味を知る手がかりとなる。それは、意識的であろうとなかろうと、このような対立の対を数多く設定し、その間を埋めていくことである。このような二面性を認識することで、タイトルの説明がつく：アレクサンダー・ゲーア
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作曲家: Goehr, Alexander
楽器: orchestra
出版社: Schott Music